EL OTRO LADO

Sinopsis

Dos amigos rockeros hablan de su pasado mientras beben y fuman. La conversación cae en una chica que les gustaba a ambos y se descubren las razones por las que se pelearon hace 5 años, solo para llegar a la verdad: uno de ellos está muerto y el otro conversa con él, solo, loco, en un psiquiátrico, queriendo cruzar al otro lado.

EL CORTOMETRAJE

Es una producción audiovisual en video o celuloide que tiene como principal característica el no durar más de 30 minutos. En este, se presenta un espacio más libre para la creatividad, debido a que por lo general tambien cuenta con fines menos comerciales y más experimentales o artísticos.

En los inicios del cine, el cortometraje, por el tiempo, era el único formato que existía. Con el desarrollo del cine y de las tecnologías, aparecieron películas más largas (largometraje) y el cortometraje quedó como un medio alternativo a la industria cinematográfica.

Pero por este mismo avance tecnológico, sobre todo del video, el cortometraje se ha vuelto una herramienta tan moldeable, que en muchas ocasiones lo único que se necesita es una idea y una cámara. Los programas de edición, ahora de fácil acceso para la mayoría de personas, permiten que un cortometraje este más cercano a la producción audiovisual profesional, sin salir de casa.

Lo anterior no significa que la parte técnica, soluciona todo. El cortometraje también requiere de una gran capacidad de escribir, producir, y dirigir una historia con imágenes, sonidos y silencios en un tiempo limitado y con recursos limitados. Por esta razón el cortometraje debe desde el principio ser un enganche al espectador y jugar con un desenlace inesperado, original y diferente.

Finalmente el cortometraje es considerado como una perfecta carta de presentación y ejercicio práctico para las personas que empiezan a introducirse en el mundo de la producción cinematográfica y audiovisual.

BAADASSSSS!

País: Estados Unidos
Año: 2004
Dirección: Mario Van Peebles
Guión: Mario Van Peebles / Dennis Haggerty - basado en el libro "Sweet Sweetback´s Baadasssss Song" de Melvin Van Peebles
Producción: Mario Van Peebles

Diseño de Producción: Alan E. Muraoka
Fotografía: Robert Primes

Música: Tyler Bates
Montaje: Anthony Miller / Nneka Goforth
Vestuario: Kara Saun
Interpretes: Joy Bryant / T.K. Carter / Terry Crews / Ossie Davis / David Alan Grier / Nia Long / Paul Rodriguez / Saul Rubinek / Vincent Schiavelli / Khleo Thomas / Mario Van Peebles / Karimah Westbrook / Rainn Wilson

Análisis
Excelente construcción de un hecho que realmente ocurrió. Se tienen imágenes antiguas, recreadas, narración omnipresente, segmentos de falso documental, testimonios reales y verdaderamente traslada al espectador a esa época.

Pero más allá de los detalles técnicos, lo que realmente mueve a la película es la experiencia moral que transmite. Dentro de un mundo tan competitivo, y sobre todo en un país y en una época en la que ni afroamericanos, ni latinomericanos, ni orientales ni indios, etc, no tenían derecho a igualar o superar a los blancos, al menos si era así, era reprimido o discriminado. Una idea que sobrepasó las expectativas y que ejemplifica el significado de arte contestatario y de entretenimiento.

También es una forma de representar todo lo que se afronta cuando se hace cine independiente, claro actualmente muchas cosas son más fáciles, pero en esencia se mantienen muchos de los recursos y estrategias que se deben emplear para poder sobresalir con el proyecto y terminarlo.

Me pareció muy buena la idea de Mario Van Peebles, el homenajear y recordarle al mundo y sobre todo a las personas afroamericanas, un punto en la historia del cine que llevo a su padre y todo su equipo a materializar un sueño que por muchas ocasiones pareció perdido y aún así no tiraron la toalla.

Y no faltan las secuencias de humor, que hacen de esta una cinta agradable de digerir, no cansa, al menos no cansa a las personas que gustan del cine, y que saben que en este mundo para realizar una película hay que arriesgarse, y muchas veces se encintrará personas que no comprenden la idea y otras que si la comprenden pero no gustan de ella, en fin por momentos parecerá, como con Melvin Van Peebles, que el único que entiende al 100 por ciento es él, y que por tanto debe hacerla realidad, así en su persona entre el dirigir, producir, escribir, actuar, editar, etc.

TESIS

País: España
Año: 1995
Dirección: Alejandro Amenábar
Guión: Alejandro Amenábar
Argumento: Alejandro Amenábar / Mateo Gil
Productor: José Luis Cuerda
Director de Fotografía: Hans Burmann
Música: Alejandro Amenábar
Dirección Artística: Wolfgang Burmann
Vestuario: Ana Cuerda
Maquillaje: Paca Almenara

Montaje: María Elena Sainz de Rozas

Sonido: Goldstein & Steinberg
Ayudante de Dirección: Walter Prieto
Efectos Especiales: Reyes Abades
Intérpretes: Ana Torrent / Fele Martinez / Eduardo Noriega / Nieves Herranz / Rosa Campillo / Francisco Hernández / Rosa Ávila / Teresa Castanedo / Miguel Picazo / Xabier Elorriaga / José Miguel Caballero / Joserra Cadiñanos / Julio Vélez / Pilar Ortega / Olga Margallo / Florentino Sainz

Análisis
Una atrapante historia de suspenso ambientada en el mundo universitario de las ciencias de la información y de la imagen, mezclada con situaciones relacionadas a los videos SNUFF.

La película maneja muy bien incluso hasta la música, para mantener al espectador con la atención total y dando pistas al buen estilo de una película detectivesca, sin serlo, para generar material mental que el mismo espectador va maquinando a lo largo del desarrollo de la historia. Sin olvidar las situaciones de humor, muchas de ellas humor negro, pero que sirven para refrescar la mente y continuar almacenando imágenes.

Los personajes han sido muy bien creados e interpretados y constituyen uno de los fuertes de la película junto a la vinculación y las telarañas que se tejen entre ellos.

El hecho de ser filmada en una universidad acredita a la percepción de la película, se vuelve más verosímil y menos difícil el ubicar a los personajes dentro de su contexto.

El tratar con un tema como este fue muy original, por que lo concibió desde la universidad en la que los estudiantes de imagen se preparan para salir a un mundo muy competitivo y en la que saca a debate la idea de darle al público lo que quiere ver, para así lograr el éxito deseado. En esta historia se explota esta idea mucho más allá de la vida y la muerte.

Se aprecia un trabajo de dirección muy exacto, con detalles muy logrados y planificados. Una película en la que Amenábar se presenta en el mundo del largometraje como un gran generador de ideas, guionista, director y músico. Simplemente es el sello de él mismo que se encuentra plasmado en esta película como en las otras.

ALEJANDRO AMENÁBAR

Alejandro Amenábar nació en 1972 en Santiago de Chile y un año después su familia se trasladó a Madrid, España. En 1990 comienza sus estudios de Imagen y Sonido en la Universidad Complutense de Madrid, y casi al mismo tiempo inicia su camino como director de cortometrajes. "La Cabeza" (1991), "Himenóptero" (1992) y "Luna" (1994) son sus tres primeros cortometrajes en video, con los que empieza una prometedora carrera y con los que obtiene numerosos premios: primer premio de Video del Festival de Elche, primer premio de video y primer premio Extraordinario de AICA (Asociación Independiente de Cineastas Amateur), y primer premio Luis García Berlanga para la realización de cortometrajes, con el que realiza la versión en cine de su cortometraje "Luna" (1995).

Esta prometedora carrera se dispara cuando conoce a José Luis Cuerda y le presenta el guión de su primera película, "Tesis" (1996). Al año siguiente se afronta la producción del largometraje, en el que Alejandro es guionista, director y compositor de la música. El estreno y su explotación son un éxito y consigue siete goyas en la edición de 1996: montaje, sonido, diseño de producción, actor novel, director novel, guión original y mejor película.

En 1997 dirige su segundo largometraje, "Abre los ojos", donde vuelve a ser guionista y compositor musical. Esto supone su consolidación como director en nuestro país y lo da a conocer fuera de su país. Es así como Tom Cruise conoce su obra y se interesa por ella. Miramax adquiere los derechos del "remake" de esta película y apoya la producción de su siguiente largometraje, "Los Otros". La película, protagonizada por Nicole Kidman, se estrena el verano de 2001 en Estados Unidos, y en septiembre en España. Con un coste de más de 21 millones de euros, el filme más caro del cine español se convierte en el éxito del año. Ocho goyas y más de seis millones de espectadores, sólo en España, así lo reconocen.

En 2004 estrena su nueva película, "Mar Adentro", con Javier Bardem como Ramón Sampedro, el tetrapléjico gallego que durante 25 años luchó por el derecho a una muerte digna. La película fue un éxito total, merecedora de 14 premios Goya y el Oscar a mejor película extranjera.

En 2008 prepara su siguiente película que se espera se estrene en 2009, "Ágora", segunda película de Amenábar en inglés y primera de drama histórico-épico.

La carrera de Amenábar es la crónica de una metamorfosis: desde la promesa de un joven estudiante de Madrid a la realidad de un genial director de cine. Una sorprendente transformación conseguida en un tiempo récord.

NOSFERATU

País: Alemania
Año: 1922
Producción: Enrico Dieckmann / Albin Grau
Dirección: F.W. Murnau
Guión: Henrik Galeen (Basado en la novela "Drácula" de Bram Stoker)
Música: (1991) Timothy Howard
Fotografía: Fritz Arno Wagner
Escenografía: Albin Grau
Vestuario: Albin Grau
Reparto: Max Schreck / Gustav von Wangenheim / Greta Schröder / G.H. Schnell / Ruth Landshoff / Gustav Borz / Alexander Granach


Análisis

Es el comienzo de Drácula y los vampiros en el cine. Gran clásico, buena adaptación para las condiciones de la época de una novela larga y compleja. Sorprende por muchos elementos pero en especial me llamó la atención todo lo referente al personaje de Drácula. La interpretación, el maquillaje, el vestuario y su castillo.

Se emplea colores como filtro para separar al día de la noche y a la luz de la oscuridad. Esto también parece ser más con una intención psicológica por la incompatibilidad del mismo tono estando en las mismas condiciones.

La escenografía también tiene gran intencionalidad. Se trabaja con naturalismo en la tranquilidad, en la ciudad y el pueblo en general. Pero se recurre a variadas figuras, formas y sombras para el interior y exterior del castillo y el entorno de Nosferatu, para señalar la locura y el misterio. Esto hace que la película este en las fundadoras del cine expresionista alemán.

También se juega con elementos para dar suspenso, como son las apariciones repentinas, la gestualidad de los actores y el recurso de la elipsis.

Como se decía antes al ser parte del expresionismo, todo elemento tiene la función de llegar a la sensibilidad del espectador, más que en proporcionar naturalidad.

En fin lo cautivante de la película es su intencionalidad en trabajar las atmósferas dando un efecto que aún en la actualidad sorprende por el grado de respuesta que genera.

LA EDAD DE ORO (L' AGE D' OR)

País: Francia
Año: 1930
Productora: Films Sonores Tobis Paris
Producción: Charles y Marie-Laure de Noailles
Dirección: Luis Buñuel
Guión: Luis Buñuel / Salvador Dalí
Montaje: Luis Buñuel
Música: Georges Van Parys
Fotografia: Albert Duverger
Escenografía: Schildtnecht
Reparto: Gaston Modot / Lya Lys / Caridad de Laberdesque / Max Ernst / Llorens Artigas / Lionel Salem / Mme Noizet


Análisis

A pesar de ser una película surrealista, en la que parece no existir ninguna idea principal tiene una carga crítica muy concreta. Se puede citar que a una de las cosas que más ataca es a la iglesia católica junto a las convicciones morales y las normas aristocráticas de conducta.

La película técnicamente goza de interesantes planos detalle y una gran diversidad de imágenes y locaciones. El sonido es bueno considerando la época y utiliza ya pequeños diálogos y sonidos de ambiente.

Esta obra tan llamativa, tiene un ritmo un poco acelerado, todo secuencia pasa de inmediato y lo único que se puede hacer es seguir viendo por que la película no deja ni reposar para asimilar las ideas obtenidas. Aunque bien se podría decir que cada secuencia es única, a pesar de que se critique a lo mismo por ejemplo a los aristócratas, en cada una existe una distinta carga de símbolos e ironías con las que se puede crear una visión que llegue a acercarse a la propuesta, que en una película como esta, surrealista, se vuelve más complicado por la infinidad de interpretaciones y combinaciones que se le puede dar a su fondo, como a su forma.

Las imágenes son muy provocadoras y violentas en muchas ocasiones y esto genera atracción por su manera de ser utilizadas y a la vez rechazo, al menos haciendo cuenta de la época en la que se encontraban.

Finalmente la película busca la edad de oro, la edad en la que nadie sufría y la vida era abundancia, lo que acentúa la crítica hacía los tópicos morales y religiosos a los que en particular Buñuel no estaba de acuerdo, ni sus compañeros en la corriente del surrealismo por no permitir que el individuo sea libre de pensar, amar, etc...