TESIS

País: España
Año: 1995
Dirección: Alejandro Amenábar
Guión: Alejandro Amenábar
Argumento: Alejandro Amenábar / Mateo Gil
Productor: José Luis Cuerda
Director de Fotografía: Hans Burmann
Música: Alejandro Amenábar
Dirección Artística: Wolfgang Burmann
Vestuario: Ana Cuerda
Maquillaje: Paca Almenara

Montaje: María Elena Sainz de Rozas

Sonido: Goldstein & Steinberg
Ayudante de Dirección: Walter Prieto
Efectos Especiales: Reyes Abades
Intérpretes: Ana Torrent / Fele Martinez / Eduardo Noriega / Nieves Herranz / Rosa Campillo / Francisco Hernández / Rosa Ávila / Teresa Castanedo / Miguel Picazo / Xabier Elorriaga / José Miguel Caballero / Joserra Cadiñanos / Julio Vélez / Pilar Ortega / Olga Margallo / Florentino Sainz

Análisis
Una atrapante historia de suspenso ambientada en el mundo universitario de las ciencias de la información y de la imagen, mezclada con situaciones relacionadas a los videos SNUFF.

La película maneja muy bien incluso hasta la música, para mantener al espectador con la atención total y dando pistas al buen estilo de una película detectivesca, sin serlo, para generar material mental que el mismo espectador va maquinando a lo largo del desarrollo de la historia. Sin olvidar las situaciones de humor, muchas de ellas humor negro, pero que sirven para refrescar la mente y continuar almacenando imágenes.

Los personajes han sido muy bien creados e interpretados y constituyen uno de los fuertes de la película junto a la vinculación y las telarañas que se tejen entre ellos.

El hecho de ser filmada en una universidad acredita a la percepción de la película, se vuelve más verosímil y menos difícil el ubicar a los personajes dentro de su contexto.

El tratar con un tema como este fue muy original, por que lo concibió desde la universidad en la que los estudiantes de imagen se preparan para salir a un mundo muy competitivo y en la que saca a debate la idea de darle al público lo que quiere ver, para así lograr el éxito deseado. En esta historia se explota esta idea mucho más allá de la vida y la muerte.

Se aprecia un trabajo de dirección muy exacto, con detalles muy logrados y planificados. Una película en la que Amenábar se presenta en el mundo del largometraje como un gran generador de ideas, guionista, director y músico. Simplemente es el sello de él mismo que se encuentra plasmado en esta película como en las otras.

ALEJANDRO AMENÁBAR

Alejandro Amenábar nació en 1972 en Santiago de Chile y un año después su familia se trasladó a Madrid, España. En 1990 comienza sus estudios de Imagen y Sonido en la Universidad Complutense de Madrid, y casi al mismo tiempo inicia su camino como director de cortometrajes. "La Cabeza" (1991), "Himenóptero" (1992) y "Luna" (1994) son sus tres primeros cortometrajes en video, con los que empieza una prometedora carrera y con los que obtiene numerosos premios: primer premio de Video del Festival de Elche, primer premio de video y primer premio Extraordinario de AICA (Asociación Independiente de Cineastas Amateur), y primer premio Luis García Berlanga para la realización de cortometrajes, con el que realiza la versión en cine de su cortometraje "Luna" (1995).

Esta prometedora carrera se dispara cuando conoce a José Luis Cuerda y le presenta el guión de su primera película, "Tesis" (1996). Al año siguiente se afronta la producción del largometraje, en el que Alejandro es guionista, director y compositor de la música. El estreno y su explotación son un éxito y consigue siete goyas en la edición de 1996: montaje, sonido, diseño de producción, actor novel, director novel, guión original y mejor película.

En 1997 dirige su segundo largometraje, "Abre los ojos", donde vuelve a ser guionista y compositor musical. Esto supone su consolidación como director en nuestro país y lo da a conocer fuera de su país. Es así como Tom Cruise conoce su obra y se interesa por ella. Miramax adquiere los derechos del "remake" de esta película y apoya la producción de su siguiente largometraje, "Los Otros". La película, protagonizada por Nicole Kidman, se estrena el verano de 2001 en Estados Unidos, y en septiembre en España. Con un coste de más de 21 millones de euros, el filme más caro del cine español se convierte en el éxito del año. Ocho goyas y más de seis millones de espectadores, sólo en España, así lo reconocen.

En 2004 estrena su nueva película, "Mar Adentro", con Javier Bardem como Ramón Sampedro, el tetrapléjico gallego que durante 25 años luchó por el derecho a una muerte digna. La película fue un éxito total, merecedora de 14 premios Goya y el Oscar a mejor película extranjera.

En 2008 prepara su siguiente película que se espera se estrene en 2009, "Ágora", segunda película de Amenábar en inglés y primera de drama histórico-épico.

La carrera de Amenábar es la crónica de una metamorfosis: desde la promesa de un joven estudiante de Madrid a la realidad de un genial director de cine. Una sorprendente transformación conseguida en un tiempo récord.

NOSFERATU

País: Alemania
Año: 1922
Producción: Enrico Dieckmann / Albin Grau
Dirección: F.W. Murnau
Guión: Henrik Galeen (Basado en la novela "Drácula" de Bram Stoker)
Música: (1991) Timothy Howard
Fotografía: Fritz Arno Wagner
Escenografía: Albin Grau
Vestuario: Albin Grau
Reparto: Max Schreck / Gustav von Wangenheim / Greta Schröder / G.H. Schnell / Ruth Landshoff / Gustav Borz / Alexander Granach


Análisis

Es el comienzo de Drácula y los vampiros en el cine. Gran clásico, buena adaptación para las condiciones de la época de una novela larga y compleja. Sorprende por muchos elementos pero en especial me llamó la atención todo lo referente al personaje de Drácula. La interpretación, el maquillaje, el vestuario y su castillo.

Se emplea colores como filtro para separar al día de la noche y a la luz de la oscuridad. Esto también parece ser más con una intención psicológica por la incompatibilidad del mismo tono estando en las mismas condiciones.

La escenografía también tiene gran intencionalidad. Se trabaja con naturalismo en la tranquilidad, en la ciudad y el pueblo en general. Pero se recurre a variadas figuras, formas y sombras para el interior y exterior del castillo y el entorno de Nosferatu, para señalar la locura y el misterio. Esto hace que la película este en las fundadoras del cine expresionista alemán.

También se juega con elementos para dar suspenso, como son las apariciones repentinas, la gestualidad de los actores y el recurso de la elipsis.

Como se decía antes al ser parte del expresionismo, todo elemento tiene la función de llegar a la sensibilidad del espectador, más que en proporcionar naturalidad.

En fin lo cautivante de la película es su intencionalidad en trabajar las atmósferas dando un efecto que aún en la actualidad sorprende por el grado de respuesta que genera.

LA EDAD DE ORO (L' AGE D' OR)

País: Francia
Año: 1930
Productora: Films Sonores Tobis Paris
Producción: Charles y Marie-Laure de Noailles
Dirección: Luis Buñuel
Guión: Luis Buñuel / Salvador Dalí
Montaje: Luis Buñuel
Música: Georges Van Parys
Fotografia: Albert Duverger
Escenografía: Schildtnecht
Reparto: Gaston Modot / Lya Lys / Caridad de Laberdesque / Max Ernst / Llorens Artigas / Lionel Salem / Mme Noizet


Análisis

A pesar de ser una película surrealista, en la que parece no existir ninguna idea principal tiene una carga crítica muy concreta. Se puede citar que a una de las cosas que más ataca es a la iglesia católica junto a las convicciones morales y las normas aristocráticas de conducta.

La película técnicamente goza de interesantes planos detalle y una gran diversidad de imágenes y locaciones. El sonido es bueno considerando la época y utiliza ya pequeños diálogos y sonidos de ambiente.

Esta obra tan llamativa, tiene un ritmo un poco acelerado, todo secuencia pasa de inmediato y lo único que se puede hacer es seguir viendo por que la película no deja ni reposar para asimilar las ideas obtenidas. Aunque bien se podría decir que cada secuencia es única, a pesar de que se critique a lo mismo por ejemplo a los aristócratas, en cada una existe una distinta carga de símbolos e ironías con las que se puede crear una visión que llegue a acercarse a la propuesta, que en una película como esta, surrealista, se vuelve más complicado por la infinidad de interpretaciones y combinaciones que se le puede dar a su fondo, como a su forma.

Las imágenes son muy provocadoras y violentas en muchas ocasiones y esto genera atracción por su manera de ser utilizadas y a la vez rechazo, al menos haciendo cuenta de la época en la que se encontraban.

Finalmente la película busca la edad de oro, la edad en la que nadie sufría y la vida era abundancia, lo que acentúa la crítica hacía los tópicos morales y religiosos a los que en particular Buñuel no estaba de acuerdo, ni sus compañeros en la corriente del surrealismo por no permitir que el individuo sea libre de pensar, amar, etc...

EXPRESIONISMO EN EL CINE

Como en el resto de ramas del expresionismo, en el cine se considera a la corriente que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del realizador o autor, más que la representación de la realidad objetiva.

El cine expresionista trata de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el espectador. Así, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.

Se puede decir que el principio del cine expresionista es: Realizador, película y público, tres elementos que deben compartir y sentir la visión interior del primero.

Origen

El expresionismo al haber sido una corriente nacida en Alemania, sirvió para que sean realizadores alemanes los primeros en incursionar en el cine utilizando técnicas pictóricas, escenográficas y teatrales que tenían la carga significativa del expresionismo.

Primeras Películas y Realizadores

Se considera como padre del cine expresionista a la película El Gabinete del Dr. Caligari (1919), del alemán Robert Wiene. En esta película de perspectivas distorsionadas, rostros mascarados y anormalidad en la escenografía se utiliza un simbolismo en chimeneas oblicuas, reminiscencias cubistas, ventanas en forma de flecha, luces e interpretaciones para dar una óptica deformada de la realidad y con una función más psicológica que decorativa.

Junto al Dr. Caligari y a Robert Wiene se encontraban otros realizadores pioneros del cine expresionista alemán como Friedrich Murnau, el austriaco Fritz Lang y Paul Wegener.

Friedrich Murnau debutaba con Nosferatu (1922), una sombría adaptación de la novela Drácula (1897) de Bram Stoker. Posteriormente dirigirá El Último (1924), en la que explora el realismo social sin abandonar los recursos expresionistas.

El otro grande fue Fritz Lang, que después de varias películas se consagraría, aunque no en su tiempo, con Metropolis (1926), donde introduce el recurso expresionista en la arquitectura. Posteriormente, con la llegada del cine sonoro, dirigió M, el Vampiro de Düsseldorf (1931).

Otros

En la cinematografía moderna, sus representantes más significativos como Orson Welles y Andrzej Wajda incorporaron una estética mucho más madura y alejada del exceso de teatralismo.

En español, son importantes los aportes de Edgar Neville, Madrid-España, con La Torre de los siete jorobados (1944), donde hay gran influencia expresionista y en sus decorados trabajó un equipo de alemanes.

EL SÉPTIMO SELLO

País: Suecia
Año: 1957
Productora: Svensk Filmindustri
Producción: Allan Ekelund
Dirección: Ingmar Bergman
Guión: Ingmar Bergman
Montaje: Lennart Wallen
Música: Erik Nordgren
Fotografía: Gunnar Fischer

Reparto: Gunnar Björnstrand / Bengt Ekerot / Nils Poppe / Max Von Sydow / Bibi Andersson

Análisis
De apariencia apocalíptica, ambientada en las épocas de las cruzadas medievales. Esta historia sorprende por su manejo de la búsqueda incesante del ser humano por un sentido a la vida y la fe. A través del personaje del caballero y su pueblo infestado de la peste negra, personifica a la muerte que reclama a los seres hacia el final de su tiempo, lo que deja al caballero con la necesidad de conocimiento antes de morir.

La partida de ajedrez juega un papel simbólico importante. Las fichas de la vida se juegan con cada movimiento que realizamos, el turno de vencer a la muerte es la disputa que atravesamos en nuestro tiempo. Cuando llega el jaque mate, ¿estaremos preparados para dejar este mundo?

Todos los personajes ejercen un respectivo signo de las diferentes actitudes del ser humano y su razonamiento existencial. Por ejemplo: Está el que no cree en nada, solamente en él (el escudero), el que busca el significado para la fe (el caballero), los que se llenan de esperanza y disfrutan de la vida (la familia teatrera), los que temen a la muerte y no quieren dejar de existir (los creyentes del pueblo), el que se aprovecha de todas las situaciones a su beneficio (el ladrón) etc., y finalmente la muerte, personificada a través de ese ser de carácter sabio, en casos burlón y que es muy determinante.

Técnicamente la película está muy bien ambientada mediante los escenarios y los vestuarios. No excede en el tiempo de cada toma y trabaja buenos primeros planos. Las tomas de la playa son fascinantes y la música de tendencia también apocalíptica y adecuada a las situaciones.

Esta película trabaja una condición humana y lo hace desde el punto final de la misma. Nos propone una visión cercana a la bíblica, que permite que cada persona pueda encontrarse en su propia fe y sea testigo del fin o de la esperanza, que en determinada situación es lo mismo.

IRREVERSIBLE

País: Francia
Año: 2002
Productora: Nord Ouest / Eskwad
Producción: Christophe Rossignon / Richard Grandpierre
Dirección: Gaspar Noé
Guión: Gaspar Noé
Montaje: Gaspar Noé
Música: Thomas Bangalter
Fotografía: Gaspar Noé / Benoît Debie
Reparto: Monica Bellucci / Vincent Cassel / Albert Dupontel / Philippe Nahon / Stéphane Drouot / Mourad Khima

Análisis

No creo que se pueda decir poco de esta película. Tampoco se la puede pasar por alto tildándola de violenta y absurda. Lo único que tiene de común con otras películas, y esto en pequeños rasgos, es el de trabajar como fondo la temática de la violencia sexual, la adicción y las atmósferas oscuras de la urbe.

Al principio y al final de la película parece que es una mosca la que manejara la cámara, ya que al realizar todas las tomas en plano secuencia, se dan unos giros intensos, inexplicables en muchas ocasiones, que parece tener como única razón la de provocar una respuesta incómoda del espectador. Los giros disminuyen a lo largo de la película pero en su totalidad se emplean solo planos secuencia. Estos con cortes para cambiar de espacio y retroceder en el tiempo.

Al ser contada la historia al inverso, parece narrativamente una nueva forma de elaborar los conflictos, en la que se entrega en primera instancia el desenlace de la película y a partir de allí regresar (avanzar) con la construcción (deconstrucción) de la historia y darle un sentido lineal a la misma. Esto es relativo, por que en verdad lo que se da en la película son eventos que tienen su principio, conflicto y fin (tendencia aristotélica) que organizados hacia atrás forman una historia progresiva. Por eso el sentido de inverso de la película.

En la composición de las imágenes destaca su frialdad, ayudadas por el recurso del plano secuencia que de una forma produce esa sensación de estar cerca o con el(los) personaje(s) de donde brota una naturalidad que carga a las escenas de un realismo aterrador. Es esto lo que puede confundir, de hecho lo hace, entre denuncia o representación de una realidad social y violencia que llega a sadomasoquismo con tintes de pornografía. Esta situación también se da por el tipo de lenguaje y los diálogos, que pueden considerarse excesivos o crudamente reales. Y la música que muchas veces no aparece y en otras acompaña a la atmósfera respectiva y puede llegar a incomodar al igual que las imágenes.

La película se vuelve única por su forma, ya que no se puede interpretar como una manera nueva de hacer películas. Es una nueva propuesta de lenguaje y técnica cinematográfica que rompe con lo establecido anteriormente. Aunque sí ejerce en todo el que la ve un nuevo punto, talvez como fuente de inspiración o ejemplo para saber lo que no se debe hacer, pero nunca será ni peor ni mejor que Irreversible.