NOSFERATU

País: Alemania
Año: 1922
Producción: Enrico Dieckmann / Albin Grau
Dirección: F.W. Murnau
Guión: Henrik Galeen (Basado en la novela "Drácula" de Bram Stoker)
Música: (1991) Timothy Howard
Fotografía: Fritz Arno Wagner
Escenografía: Albin Grau
Vestuario: Albin Grau
Reparto: Max Schreck / Gustav von Wangenheim / Greta Schröder / G.H. Schnell / Ruth Landshoff / Gustav Borz / Alexander Granach


Análisis

Es el comienzo de Drácula y los vampiros en el cine. Gran clásico, buena adaptación para las condiciones de la época de una novela larga y compleja. Sorprende por muchos elementos pero en especial me llamó la atención todo lo referente al personaje de Drácula. La interpretación, el maquillaje, el vestuario y su castillo.

Se emplea colores como filtro para separar al día de la noche y a la luz de la oscuridad. Esto también parece ser más con una intención psicológica por la incompatibilidad del mismo tono estando en las mismas condiciones.

La escenografía también tiene gran intencionalidad. Se trabaja con naturalismo en la tranquilidad, en la ciudad y el pueblo en general. Pero se recurre a variadas figuras, formas y sombras para el interior y exterior del castillo y el entorno de Nosferatu, para señalar la locura y el misterio. Esto hace que la película este en las fundadoras del cine expresionista alemán.

También se juega con elementos para dar suspenso, como son las apariciones repentinas, la gestualidad de los actores y el recurso de la elipsis.

Como se decía antes al ser parte del expresionismo, todo elemento tiene la función de llegar a la sensibilidad del espectador, más que en proporcionar naturalidad.

En fin lo cautivante de la película es su intencionalidad en trabajar las atmósferas dando un efecto que aún en la actualidad sorprende por el grado de respuesta que genera.

LA EDAD DE ORO (L' AGE D' OR)

País: Francia
Año: 1930
Productora: Films Sonores Tobis Paris
Producción: Charles y Marie-Laure de Noailles
Dirección: Luis Buñuel
Guión: Luis Buñuel / Salvador Dalí
Montaje: Luis Buñuel
Música: Georges Van Parys
Fotografia: Albert Duverger
Escenografía: Schildtnecht
Reparto: Gaston Modot / Lya Lys / Caridad de Laberdesque / Max Ernst / Llorens Artigas / Lionel Salem / Mme Noizet


Análisis

A pesar de ser una película surrealista, en la que parece no existir ninguna idea principal tiene una carga crítica muy concreta. Se puede citar que a una de las cosas que más ataca es a la iglesia católica junto a las convicciones morales y las normas aristocráticas de conducta.

La película técnicamente goza de interesantes planos detalle y una gran diversidad de imágenes y locaciones. El sonido es bueno considerando la época y utiliza ya pequeños diálogos y sonidos de ambiente.

Esta obra tan llamativa, tiene un ritmo un poco acelerado, todo secuencia pasa de inmediato y lo único que se puede hacer es seguir viendo por que la película no deja ni reposar para asimilar las ideas obtenidas. Aunque bien se podría decir que cada secuencia es única, a pesar de que se critique a lo mismo por ejemplo a los aristócratas, en cada una existe una distinta carga de símbolos e ironías con las que se puede crear una visión que llegue a acercarse a la propuesta, que en una película como esta, surrealista, se vuelve más complicado por la infinidad de interpretaciones y combinaciones que se le puede dar a su fondo, como a su forma.

Las imágenes son muy provocadoras y violentas en muchas ocasiones y esto genera atracción por su manera de ser utilizadas y a la vez rechazo, al menos haciendo cuenta de la época en la que se encontraban.

Finalmente la película busca la edad de oro, la edad en la que nadie sufría y la vida era abundancia, lo que acentúa la crítica hacía los tópicos morales y religiosos a los que en particular Buñuel no estaba de acuerdo, ni sus compañeros en la corriente del surrealismo por no permitir que el individuo sea libre de pensar, amar, etc...

EXPRESIONISMO EN EL CINE

Como en el resto de ramas del expresionismo, en el cine se considera a la corriente que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del realizador o autor, más que la representación de la realidad objetiva.

El cine expresionista trata de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el espectador. Así, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.

Se puede decir que el principio del cine expresionista es: Realizador, película y público, tres elementos que deben compartir y sentir la visión interior del primero.

Origen

El expresionismo al haber sido una corriente nacida en Alemania, sirvió para que sean realizadores alemanes los primeros en incursionar en el cine utilizando técnicas pictóricas, escenográficas y teatrales que tenían la carga significativa del expresionismo.

Primeras Películas y Realizadores

Se considera como padre del cine expresionista a la película El Gabinete del Dr. Caligari (1919), del alemán Robert Wiene. En esta película de perspectivas distorsionadas, rostros mascarados y anormalidad en la escenografía se utiliza un simbolismo en chimeneas oblicuas, reminiscencias cubistas, ventanas en forma de flecha, luces e interpretaciones para dar una óptica deformada de la realidad y con una función más psicológica que decorativa.

Junto al Dr. Caligari y a Robert Wiene se encontraban otros realizadores pioneros del cine expresionista alemán como Friedrich Murnau, el austriaco Fritz Lang y Paul Wegener.

Friedrich Murnau debutaba con Nosferatu (1922), una sombría adaptación de la novela Drácula (1897) de Bram Stoker. Posteriormente dirigirá El Último (1924), en la que explora el realismo social sin abandonar los recursos expresionistas.

El otro grande fue Fritz Lang, que después de varias películas se consagraría, aunque no en su tiempo, con Metropolis (1926), donde introduce el recurso expresionista en la arquitectura. Posteriormente, con la llegada del cine sonoro, dirigió M, el Vampiro de Düsseldorf (1931).

Otros

En la cinematografía moderna, sus representantes más significativos como Orson Welles y Andrzej Wajda incorporaron una estética mucho más madura y alejada del exceso de teatralismo.

En español, son importantes los aportes de Edgar Neville, Madrid-España, con La Torre de los siete jorobados (1944), donde hay gran influencia expresionista y en sus decorados trabajó un equipo de alemanes.

EL SÉPTIMO SELLO

País: Suecia
Año: 1957
Productora: Svensk Filmindustri
Producción: Allan Ekelund
Dirección: Ingmar Bergman
Guión: Ingmar Bergman
Montaje: Lennart Wallen
Música: Erik Nordgren
Fotografía: Gunnar Fischer

Reparto: Gunnar Björnstrand / Bengt Ekerot / Nils Poppe / Max Von Sydow / Bibi Andersson

Análisis
De apariencia apocalíptica, ambientada en las épocas de las cruzadas medievales. Esta historia sorprende por su manejo de la búsqueda incesante del ser humano por un sentido a la vida y la fe. A través del personaje del caballero y su pueblo infestado de la peste negra, personifica a la muerte que reclama a los seres hacia el final de su tiempo, lo que deja al caballero con la necesidad de conocimiento antes de morir.

La partida de ajedrez juega un papel simbólico importante. Las fichas de la vida se juegan con cada movimiento que realizamos, el turno de vencer a la muerte es la disputa que atravesamos en nuestro tiempo. Cuando llega el jaque mate, ¿estaremos preparados para dejar este mundo?

Todos los personajes ejercen un respectivo signo de las diferentes actitudes del ser humano y su razonamiento existencial. Por ejemplo: Está el que no cree en nada, solamente en él (el escudero), el que busca el significado para la fe (el caballero), los que se llenan de esperanza y disfrutan de la vida (la familia teatrera), los que temen a la muerte y no quieren dejar de existir (los creyentes del pueblo), el que se aprovecha de todas las situaciones a su beneficio (el ladrón) etc., y finalmente la muerte, personificada a través de ese ser de carácter sabio, en casos burlón y que es muy determinante.

Técnicamente la película está muy bien ambientada mediante los escenarios y los vestuarios. No excede en el tiempo de cada toma y trabaja buenos primeros planos. Las tomas de la playa son fascinantes y la música de tendencia también apocalíptica y adecuada a las situaciones.

Esta película trabaja una condición humana y lo hace desde el punto final de la misma. Nos propone una visión cercana a la bíblica, que permite que cada persona pueda encontrarse en su propia fe y sea testigo del fin o de la esperanza, que en determinada situación es lo mismo.

IRREVERSIBLE

País: Francia
Año: 2002
Productora: Nord Ouest / Eskwad
Producción: Christophe Rossignon / Richard Grandpierre
Dirección: Gaspar Noé
Guión: Gaspar Noé
Montaje: Gaspar Noé
Música: Thomas Bangalter
Fotografía: Gaspar Noé / Benoît Debie
Reparto: Monica Bellucci / Vincent Cassel / Albert Dupontel / Philippe Nahon / Stéphane Drouot / Mourad Khima

Análisis

No creo que se pueda decir poco de esta película. Tampoco se la puede pasar por alto tildándola de violenta y absurda. Lo único que tiene de común con otras películas, y esto en pequeños rasgos, es el de trabajar como fondo la temática de la violencia sexual, la adicción y las atmósferas oscuras de la urbe.

Al principio y al final de la película parece que es una mosca la que manejara la cámara, ya que al realizar todas las tomas en plano secuencia, se dan unos giros intensos, inexplicables en muchas ocasiones, que parece tener como única razón la de provocar una respuesta incómoda del espectador. Los giros disminuyen a lo largo de la película pero en su totalidad se emplean solo planos secuencia. Estos con cortes para cambiar de espacio y retroceder en el tiempo.

Al ser contada la historia al inverso, parece narrativamente una nueva forma de elaborar los conflictos, en la que se entrega en primera instancia el desenlace de la película y a partir de allí regresar (avanzar) con la construcción (deconstrucción) de la historia y darle un sentido lineal a la misma. Esto es relativo, por que en verdad lo que se da en la película son eventos que tienen su principio, conflicto y fin (tendencia aristotélica) que organizados hacia atrás forman una historia progresiva. Por eso el sentido de inverso de la película.

En la composición de las imágenes destaca su frialdad, ayudadas por el recurso del plano secuencia que de una forma produce esa sensación de estar cerca o con el(los) personaje(s) de donde brota una naturalidad que carga a las escenas de un realismo aterrador. Es esto lo que puede confundir, de hecho lo hace, entre denuncia o representación de una realidad social y violencia que llega a sadomasoquismo con tintes de pornografía. Esta situación también se da por el tipo de lenguaje y los diálogos, que pueden considerarse excesivos o crudamente reales. Y la música que muchas veces no aparece y en otras acompaña a la atmósfera respectiva y puede llegar a incomodar al igual que las imágenes.

La película se vuelve única por su forma, ya que no se puede interpretar como una manera nueva de hacer películas. Es una nueva propuesta de lenguaje y técnica cinematográfica que rompe con lo establecido anteriormente. Aunque sí ejerce en todo el que la ve un nuevo punto, talvez como fuente de inspiración o ejemplo para saber lo que no se debe hacer, pero nunca será ni peor ni mejor que Irreversible.

EL GABINETE DEL DR. CALIGARI (DAS KABINETT DES DR. CALIGARI)

País: Alemania
Año: 1919
Productora: Decla Bioscop
Producción: Erich Pommer / Rudolf Meinert
Dirección: Robert Wiene
Guión: Karl Mayer / Hans Janowitz
Música: Giuseppe Becce
Fotografía: Willy Hameister
Escenografía: Herlth Roehrig / Hermann Warmm
Reparto: Werner Kraus / Conrad Veidt / Lil Dagover / Hans Feher / Hans V. Twardowsky


Análisis

Este parece ser el antepasado de las películas de terror y suspenso que tienen de fondo algo relacionado con el crimen y la psicología. Pero lo que me cautivó totalmente de la película fueron sus recursos expresivos. Ampliando esta parte, su escenografía está llena de formas irregulares que trabaja mucho sobre la manera de percibir la película. Los claroscuros y el juego de sombras son construidos con tal destreza que la iluminación se vuelve una intérprete fundamental en toda la cinta. A pesar de ser en blanco y negro los colores utilizados dan la apariencia de formas que se vuelven llamativas al ojo y producen una determinada reacción sensible, como pasa en el interior del consultorio del Dr. Caligari, en la calle y en la Feria. En resumen, es un trabajo netamente de orden psicológico.

Las interpretaciones conservan muchas gestualidades del teatro. La historia utiliza una narrativa circular, en la que vuelve al mismo punto en donde empezó y termina con un final un tanto inesperado.

La película trabaja, a más de los elementos ya mencionados, con recursos netamente cinematográficos para crear esa tensión y esa expectativa. Por ejemplo, en el montaje, toda la cinta esta llena de fundidos a negro que se cierran en un circulo que en muchas ocasiones deja el elemento más importante a la vista antes de pasar a otra secuencia o cerrarla. En otras situaciones el cuadro toma la forma de ese círculo y se mantiene para desarrollar de esa manera un efecto que da fuerza y permite un acercamiento a las emociones del personaje.

Buena película, es bueno ver que todas las distintas situaciones que crean géneros y temas cinematográficos, se han construido desde la creatividad y experimentación de los realizadores y que significan tanto que se los practica ya como algo innato en nuestra vida.

UN PERRO ANDALUZ (UN CHIEN ANDALOU)

País: Francia / España
Año: 1929
Producción: Luis Buñuel
Dirección: Luis Buñuel
Guión: Salvador Dalí / Luis Buñuel
Montaje: Luis Buñuel
Música: En la versión de 1961: Tango argentino escogido por Luis Buñuel y Tristán e Isolda de Richard Wagner
Fotografía: Albert Duverger
Reparto: Simone Mareuil / Pierre Batcheff / Luis Buñuel / Robert Hommet / Salvador Dalí / Jaime Miravilles / Fano Messan

Análisis

No se puede llegar a una explicación lógica por que no existe. Este misterioso cortometraje es prácticamente un sueño o un conjunto de ellos...Un sueño de textura surrealista, o sea mucho más allá de la realidad y de lo que se puede explicar normalmente o con los cánones del momento. Es importante señalar que si en épocas actuales esta producción sorprende, lo hizo mucho más en su tiempo.

Me parece que si apreciamos la película desde un punto lejos del entendimiento lineal del argumento, o si alejamos de nuestra mente unir todas las partes para encontrar un único significado, veremos realmente el potencial que ha llevado a trascender a esta película. Es surrealista. No pretendo con ese término clasificar a la película y que su fondo sea entendido solo a través de esa palabra, pero es que es una mezcla de imágenes que no pretenden alinearse a comprensión alguna y con diversas transformaciones en el tiempo y el espacio, tal y como sucede con nuestros sueños. Y los sueños son fantásticos y lejos de una rígida explicación común.

Se juega con imágenes fuertes, planos detalles, claroscuros, maquillaje y pequeños efectos de montaje que buscan solamente una reacción sensible del espectador.

Cuando se observa este tipo de películas, incursionando en nuevos campos del lenguaje y estética audiovisuales, cabe esa pregunta de si el cine o la producción audiovisual ¿están hechas solamente para mostrar o representar una realidad y ayudar a hacerla comprensible?

Un perro andaluz nos ladra un ¡NO! por respuesta.